Die Ausstellungen finden im November und Dezember in mehreren Orten statt. siehe unten

Zum elften Mal veranstaltet Litauen die International Watercolor Biennale Baltic Bridges – zehn der elf Ausgaben fanden in Kaunas statt. Was vor zwei Jahrzehnten als kühnes Abenteuer begann, das der Aquarellkünstler Eugenijus Nalevaika, der damalige Vorsitzende der Kaunas-Niederlassung der litauischen Künstlervereinigung, zusammen mit seinem Kreativteam ins Leben gerufen hat, hat sich zu einer großen internationalen Veranstaltung entwickelt. Heute bringt die Biennale nicht nur Künstler aus Ländern an der Ostsee zusammen, sondern reicht auch weit über diese Region hinaus und umfasst eine viel breitere geografische und kreative Landschaft.

Das Thema der diesjährigen Biennale, „Infinity”, kann sowohl als Hinweis auf Kontinuität als auch auf das Unbekannte verstanden werden. 

Die Aquarellmalerei zählt zu den ältesten Maltechniken. Antike Bilder, die in Felswände geschnitzt wurden, wurden mit natürlich gewonnenen Pigmenten gefärbt – genau den gleichen Pigmenten, die die Grundlage der traditionellen Aquarellmalerei bilden. Und dann sind da noch die altägyptischen Papyri. Wieder Aquarell! Es scheint alles so einfach zu sein: Pigmente, Gummi Arabicum und Honig. Und natürlich Wasser!

Ausstellungsräume in Kaunas:

Muitinės g. 2, Kaunas, Fakultät der Kunstakademie Vilnius, 2 Muitinės St.

Eröffnung: Freitag, der 13. November um 16 Uhr.

Drobė Gallery, Kaunas, Zweigstelle der litauischen Künstlervereinigung, 62, Drobės Straße.

Eröffnung: Freitag, der 13. November um 18 Uhr.

ZOO Ausstellungsfläche, Tadas Ivanauskas, Zoologisches Museum, 06, Laisvės Ave.

                   LBA -1 2025, 51 x 38 cm.                         La Loue, 2024 48 x 35 cm.                                LBA -2 2025, 51 x 38                                LBA -3 2026, 51 x 38    

1Ebenfalls 1993 hat Jarman mit Blue ihren letzten Film vorgelegt, der von der Erfahrung ihrer mit dem HIV-Virus in Verbindung stehenden Erblindung geprägt ist. Es ist eine Art Hör-Film, Bei dem 70 Minuten lang eine monochrome blaue Kinoleinwand zu sehen ist und vier Stimmen (im Original auch von Derek Jarman) von Farben und dem Leben erzählen.

Exkurs nach Frankfurt. Altmodisch „impressioniert” Farbe wird AUF DEM BILD gemischt – nicht auf der Palette.
Der Pinselstrich, eine durchgängige Markierung des Horizonts wenn mal so will als Anker für die Lesbarkeit dieser Malerei auch als Landschaft.
REALISMUS – ABSTRAKTION Kurze Geschichte der Malerei und der Veränderungen durch die sog. „Neuen Medien”. Malerei wurde frei für etwas anderes. Für das Erlebnis von Farbe und Licht, worüber wir schon sprachen und auch für die Thematisierung der eigenen Materialität. Malerei muss nicht mehr Illusionistisch sein, muss keine Tricks mehr vollführen und sie kann zeigen, dass sie aus Leinwand besteht, aus Farbe und aus einem Farbauftrag. Der Eigenwert der Farbe war eine Voraussetzung für die Entstehung der monochromen Malerei. Ob man Weißes Quadrat auf weißem Grund (1919) von Kasimir Malewitsch oder Alexander Rodtschenkos Reine Farbe Rot, reine Farbe Gelb, reine Farbe Blau (1921) als erstes Monochrom bezeichnen will: Die Verabsolutierung von Farbe durch die Suprematisten ließ Eigenschaften aus der Gesamtkonstruktion ‘Malerei’ hervortreten, die bis dahin eine untergeordnete Rolle gespielt hatten. Die Geschichte der Malerei beweist sich seitdem als Prozedur zwischen Formfindung und Formzerstörung, zwischen realistischen und abstrakten Tendenzen, zwischen Konstruktion und Dekonstruktion, was nicht nur das Entstehen und Vergehen unterschiedlicher Stile erklärt, sondern auch die Auseinandersetzung der Malerei mit ihren eigenen Mitteln. Künstlerische Analysen von Bildträger, Pinsel, Farbauftrag oder anderen Materialien haben immer wieder neue malerische Lösungen befördert. In der englischen Sprache gibt es die geläufige Unterscheidung zwischen color und paint. Das eine ist der Farbton, das andere die Farbmaterie, was im Deutschen etwas mühsam differenziert werden muss. Color ist ein Phänomen der physikalischen Gesetze: „Die Farben sind Taten des Lichts.”2

2 JOHANN WOLFGANG GOETHE, Sämtliche Werke nach Epochen ihres Schaffens, Münchner Ausgabe, hrsg. von PETER SCHMIDT, Band 10: Zur Farbenlehre, München/Wien: Hanser Verlag, 1989, S. 9

Paint ist der chemische Aspekt der Farbe: Pigmente, Lösungs- und Bindemittel, Konsistenz. Doch weder das eine noch das andere genügt, um Malerei zu erzeugen. Erst indem Materie im Akt des Malens unter spezifischen Aspekten verarbeitet wird, entsteht im Farbauftrag der Farbton, der für die Malerei ausschlaggebend ist. Er unterscheidet sich natürlich von der Farbe, die in der Tube vorhanden ist, selbst wenn sie unverdünnt und ungemischt aufgetragen wird. Der Farbauftrag ist das Ereignis, an dem Eigenschaften des Materials mit denen der Malerin zusammenfallen.  Entscheidung für die Farbe als reines Ausdrucksmittel. „Emotionale Tiefe der reinen Farbe“. Beschränkung auf Farbigkeit heißt nicht Reduktion im Ausdruck! „Ein Flötenspieler [aus dem alten Persien] begann eines Tages, nur einen einzigen, langgezogenen anhaltenden Ton zu spielen. Als er damit nun an die zwanzig Jahre fortfuhr, gab ihm seine Frau zu bedenken, daß doch alle anderen Flötenspieler mehrere, harmonische Töne und ganze Melodien zustande brächten und das doch abwechslungsreicher sei. Der monotone Flötenspieler aber antwortete, daß es nicht sein Fehler sei, wenn er die Note schon gefunden hätte, nach der die anderen noch immer suchten.”
Le vidé” die Leere am 28. April 1958 (Kleins 30. Geburtstag!) in der Galerie Iris Clert. Eigentlich sollte der Obelisk am Place de la Concorde blau angestrahlt werden. Die Einladungskarten kündigten die Epoque Pneumatique an. In der griechischen Philosophie ist das nicht nur die Luft, sondern der Hauch, der Atem – Lebensprinzip und Seelenkraft.- Doch nur Fenster der Galerie und ein blauer Baldachin über der Eingangstür waren blau. Albert Camus im Gästebuch „Mit der Leere im Vollbesitz der Kräfte”. Tinguely kommt täglich!

»Anwesenheit der Abwesenheit” (Ulf Linde)
Ich springe an eine andere Stelle in der Geschichte der Malerei. Nach Amerika, denn nach dem 2. Weltkrieg ist nicht mehr Paris tonangebend, sondern die New York School und der sogenannte Abstrakte Expressionismus. Dazu gehörten Pollock, der als Angriff auf das tradiert europ. Tafelbild seine Drippings machte. Achtion Painting. ALL OVER. KEINE BILDHIERARCHIE. Kein oben, kein unten – kein hinten kein vorne.
Ein anderer wichtiger Künstler des Abstrakten Expressionismus, an den ich vor zwei Tagen denken musste, als ich die Ausstellung zum ersten mal sah, war Barnett Newman (1905-70). Newman ist so jemand, der in seiner Malerei den Eigenwert der Farbe, ihr Erleben ins Zentrum seines künstlerischen Schaffens stellt. Ihn interessierte vielleicht wie Ines Hock nicht zu allererst, WAS er malen soll, sondern DASS er malen will. Newman hatte zwei, drei Farben nebeneinander oder durch einen Streifen voneinander getrennt in mehreren Schichten auf die Leinwand gemalt. Monochrome Flächen im Unterschied zu Ines Hock, doch trotz des formalen Reduktionismus geht es auch hier um die Vergegenwärtigung absoluter Gefühle. Newman bearbeitete damals riesengroße Leinwände (2,70m hoch und über 6m breit) die zur Wahrnehmung als Wand tendieren und hat seinen Betrachtern darüber hinaus empfohlen, sich sehr nah vor das Bild zu stellen. So nah, daß das Blickfeld kleiner ist als das Bildfeld. Das Feld was sie hier sehen misst: Doch ein Bild LEBT auch für sich alleine… Der Zip teilt und eint. Wie der Pinselstrich hier. Die Horizontlinie? Der Himmel? Das Meer? Verbindet der in seinem Duktus so eindringliche Pinselstriche die obere und die untere Hälfte des Bildes oder teilt er sie? Ich will es nicht entscheiden müssen. Eben sowenig wie entschieden werden kann, ob sie aus der Nähe oder aus der Ferne BESSER sehen. Beides ist wichtig und nötig.
In Rahmen eines Künstler-Symposions (1950) wird Newman vom Moderator gefragt, wie er seine neue Malerei nennen würde und er antwortet: “Ich würde den Ausdruck ‘selbstverständlich’ vorschlagen, weil das Bild konkret ist.”

Der Raum und das malerische Konzept von Ines Hock bilden auch hier in Wetzlar eineEinheit. Die Grenze zwischen dem autonomen Tafelbild, dem Fries und dem, was Raum hier ist und sein kann werden verwischt. Kein Bildraum, sondern der Realraum ist durch Farben strukturiert, die uns anziehen aber nicht in den Grund eindringen lassen, dem sie entwachsen. „Alle Mobilisierung die vom Werk ausgeht, die Schwebe, die wir erfahren, gehört nicht zu einem abgetrennten fiktiven Bereich, sondern zum wirklichen Umfeld, in dem auch der Betrachter lebt und sich bewegt.«3

3 GOTTFRIED BOEHM, Form und Grund [Ausstellungskatalog], Ostfildern: Cantz, 1992., S. 38.

Ines Hock bereichert das Gebiet der Farbfeldmalerei. Ihre Malerei ist sowohl dem farbigen Kolorit als auch einer Haltung der Monochromie verpflichtet. Sie kontrastiert ihr präzises Vorgehen in Öl mit dem gestischen Moment ihrer Malerei, bei der die Hand den Bildträger berührt und der Duktus sich wie hinter einen Schleier verflüchtigt. DOCH: Und mit dieser Frage entlasse ich sie in den Abend: “Wie sollten wir begreifen können, wie Farben auf uns wirken, bevor sie auf uns gewirkt haben?”

Rede im Stadthaus Wetzlar 2008, MARKUS LEPPER, Giessen 

Jens Peter Koerver, in: Von Figuren und Farben,  mit Inge Schmid, Ausstellungskatalog Kunsthaus NRW, Kornelimünster, 2010

Sehr geehrte Pfarrerin Pfannkuch, Liebe Ines, lieber Niklas,

ich freue mich sehr die beiden Ausstellungen Colorflow und Nachtflug heute Abend eröffnen zu dürfen.

Sehr geehrte Gäste, schön, dass Sie zu „Kunst in Heiland“ gekommen sind, um mit uns die Eröffnung der Duo-Ausstellung von Ines und Niklas Hock zu feiern. Ich bin Kunstwissenschaftlerin und freue mich Ihnen die Arbeiten von Ines und Niklas Hock näherzubringen.

Colorflow – Nachtflug zwei Ausstellungstitel, zwei Künstler*innen, ein Nachname, eine Familie. Ines und Niklas Hock stellen heute zum zweiten Mal gemeinsam aus.

Das Mutter-Sohn-Duo zeigt in der Heilandskirche Prägungen, Gemeinsamkeiten und Gegensätze. Ihre Arbeiten stehen für sich und werden gleichzeitig von der jeweiligen anderen Position ergänzt. Hier begegnet sich Abstrakte Kunst in strahlend leuchtender Installation und intensiv berauschenden Gemälde.

In Colorflow arbeitet Ines Hock mit, aber vor allem durch die Farbe. Die Künstlerin, geboren in Wetzlar, Hessen, studierte zunächst an der Johannes-Gutenberg-Universität Mainz und in den USA Kunsterziehung, Biologie und Philosophie auf Lehramt und war von 1985 bis 1987 an der Kunstakademie Düsseldorf. Erstgenannte Fächer bleiben prägend für ihre Kunst und lässt die Künstlerin in ihre Arbeit miteinfließen – Sehprozesse, Lichtbrechung und Wahrnehmungsempfindung gehören zu Hocks präziser Untersuchung der Farbe. In Zeichnung und Malerei hält sie Farbklänge fest, nutzt diese als Kommunikationsmedium und entwickelt ihre eigene Sprache. Für „Colorflow“, zu Deutsch Farbstrom, tritt Hocks Arbeit sogar in den Raum: Eigens für die Heilandskirche konzipiert, schweben unterschiedlich große, teils geometrisch-anmutende Farbflächen von Decke und Empore. Sie reihen sich, überlappen ineinander oder treiben auseinander, erinnern an Fächer und kreisen langsam um sich selbst. Und sie korrespondieren mit der umgebenen Architektur. Ines Hock nutzt verschiedene Farbgründe, von dünner Folie, die an feine Seide erinnert bis zu robustem Plexiglas, das wie zerbrechliches Glas wirkt. Sie bearbeitet diese mit spezieller transluzenter Glasfarbe und setzt Farbfelder neben- und übereinander. Ines Hock variiert neben der Plattengröße auch die Größe der Farbfelder. Sie spielt mit Reihung oder reduziert sich auf wenige Töne. Beispielsweise ordnen sich vertikal ungleichgroße Rechtecke zu bunten Unikaten. Die Formen fügen sich, gehen mit ihren schrägen Kanten aufeinander ein oder machen sich Platz. Jedes einzelne Farbfeld trägt einen eigenen Charakter, der auf seine Anordnung reagiert, sich zu bewegen, ja zu tänzeln scheint. Hock trennt, verbindet, verschmilzt oder lässt ihre monochromen Farbfelder ineinanderfließen. Ihre skulpturalen Gebilde sprechen unmittelbar mit den leuchtenden Kirchenfenstern und der Backsteinarchitektur der Heilandskirche. Wie sanfte Wesen in einem zeitlosen Raum scheint die Installation uns ihre eigene Geschichte mitzuteilen. Lichteinfall und Bewegung der Gebilde wie auch des Betrachtenden verändert die Arbeit, schafft ständige Wandlung, wird zu einer kurzen Momentaufnahme, einer flüchtigen und gleichzeitig einnehmenden Erfahrung. In Colorflow erschafft die Anwesenheit der Farbe gemeinsam mit Größe und Materialität das Zusammenkommen von Makrokosmos und Mikrokosmos.

Strömende Großformate stehen pastosen Kleinformaten in Nachtflug gegenüber. Niklas Hock, 1995 in Köln geboren, studierte an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig bei unteranderem Frances Scholz. Er selbst beschreibt seine Arbeit als konzeptionelle Abstrakte Malerei, die sich aus der Zeichnung heraus entwickelte. Auch bei Niklas Hock steht die Farbe für sich, wird zum Medium, doch anders als vielleicht erwartet, verwendet der Künstler für den Bildgrund nicht die klassische Leinwand oder Papier. Er nutzt Vinylfolie, die in einem aufwendigen Prozedere auf einen Holzrahmen gespannt wird. Die Folie ist lichtdurchlässig und erschafft eine subtil leuchtende Bildtiefe. Je nach Standpunkt und Lichtsituation changiert die Komposition zu einer völlig anderen. Schemenhaft und unmöglich zu greifen, wandern die Farben wie Nebelschwaden unter der fließenden Oberfläche.
Niklas Hock arbeitet mit Schichtung. Glanz trifft auf Mattheit, helle Bereiche bedeckt er sanft. Er variiert zwischen dynamisch aufgetragenen Farblinien, nahezu ebenmäßig aufgetragenen Farbflächen und pastos ausgeführten Bereichen. Durch Silikon und dicken Farbrinnsalen erweitert er seine Bildfläche zu einem Relief. Die Oberfläche reizt Niklas Hock, bis sie sich wölbt oder sogar genäht wird. Beschaffenheit und Nähte erinnern an fleischliches Hautgewebe. Was in seiner kleinen Bildtafelserie auf Aludibond mit glänzendem Wulsten überzogen, weitergeführt wird. Der Künstler weckt Assoziationen von organischem Gewebe, von Ursprünglichkeit und Ungewissheit. Die Wahl der Materialien begründet Niklas Hock mit der Kritik des Künstler Genius. Er rüttelt an alten Traditionen und leitet sie mit neuen künstlicheren Mitteln ab: Leinwand wird Vinylfolie und Ölfarbe wandelt er in Acryl mit Chinatusche. Neben eigens entwickelten Techniken und außergewöhnlichem Material ist die Musik eine wichtige Komponente seiner Arbeit. So benennt er seine Werke immer auch nach Songtiteln, die ihn während seiner Schaffensphasen begleiten. Nachtflug ist ein Zitat des gleichnamigen Stücks von Falco. Nachtflug präsentiert das Mythische, nicht Greifbare, unter einem imaginären Schleier liegende. Die Arbeiten leben von ihrer Verwandlung: Sie tragen eine faszinierende Gleichzeitigkeit von Licht und Dunkelheit, von Nähe und Fremde, von Schönheit und Unbehagen in sich.

Ines und Niklas Hock verdeutlichen, wie unterschiedlich der Ausdruck von Abstraktion sein kann. Und welche Kraft Farbe in sich trägt. Während Ines Hock mit Flächen, Überlagerung und surrender Farbaufteilungen arbeitet, nutzt Niklas Hock die Farbe, um sie zu einer geschlossenen Welt zu verwandeln. Bei Ines Hock entsteht der Bildraum im Kontext des Raums, bei Niklas Arbeiten zieht es den Betrachtenden in den Bildraum hinein. Die Farbflächen bei Ines Hock deutlich strukturierter, abgesetzt voneinander, während Niklas Hocks Gemälde Wirbeln. Der Künstler erschafft Farbdimensionen wie Portale in seinen Bildern während Ines Hock ihre Farben in den Raum heraustreten, die in beiden Arbeiten das Transzendentale abzeichnen. Für beide ist die Farbe das Werkzeug, das Medium, das Eigentliche. In beiden Positionen finden wir ein von Innen ergreifendes Leuchten. In beiden Positionen finden wir in Betrachtung Verwandlung.

Mit poetischer Leichtigkeit trifft Colorflow auf die mystische Tiefe von Nachtflug. Als Zusammenklang beider Positionen entsteht eine neue Bildsprache, in der Farbe nur so fließt, die den sakralen Raum erweitert, und eine einzigartige erhabene Stimmung fühlbar ist. Lassen Sie uns also gemeinsam die Farbe mit anregenden Gesprächen strömen. Und Liebe Ines, lieber Niklas auf euch zu euren gelungenen Ausstellungen. Liebe Gäste und ihnen nun viel Freude beim Erfahren der Kunst.

Vielen Dank Katja Andrea Hock, Kunsthistorikerin M.A., Berlin

Zur Veröffentlichung zur Verfügung gestellt

Neue Mitglieder im VdDK*1844

Parallel zu den Düsseldorfer Kunstpunkten 2026 stellen wir „Die Neuen“ vor.

Die teilnehmenden Künstler sind ab 2025 Mitglied im Verein geworden. Malerei, Fotografie, Objekte und Zeichnungen.

Die teilnehmenden Künstler:

Joanna Danovska / Sabine Daum / Ina Diemer / Johannes Döring / Beate Gärtner / René J.

Goffin / Tilch Hagemann / Pe Hagen / Anica Hauswald / Ines Renate Ursula Hock / Birgit

Jensen / Ulrike Kazmaier / Amin Khelghatdoost / Ivo Kiefer / Eunjeong Kim / Thomas Kohl

/ Liu Zingji Lau / Nadja Nafe / Anita Oettershagen / Monika Pirch / Niels Plata / Markus

Reimann / Aischa Sabbouh-Eggert / Jochen Saueracker / Simona Soare / Stefanie Bärbel

Starz / Kristine Tusiashvili / Anna Nwaada Weber / Eva Weinert / Frauke Berg / Beatrice

Richter / Anna-Maria Bogner.

Name/Titel: DIE NEUEN

Wo: SITTart Raum für Kunst, Sittarder Str. 5, 40477 Düsseldorf

Eröffnung: Freitag, den 11.09.2026 von 19 – 22 Uhr

Begrüßung: Birgitta Thaysen

Öffnungszeiten:

Sa. 12.09. von 14 – 20 Uhr

So. 13.09. von 12 – 18 Uhr

Sa. 19.09. von 15 – 18 Uhr

So. 20.09. von 15 – 18 Uhr

Einführung: Katja Hock | Musik: Annemarie und Albert Gaede / Tag des offenen Denkmals:Samstag, den 12. September 11-15 Uhr; Sonntag, den 13. September 11-13 Uhr

Heilandskirche, Thusnelda Allee 1 , 10555 Berlin

Einladungskarte Heilandskirche

Zwei Künstler:innen präsentieren in der Heilandskirche zwei sich ergänzende Konzepte.

Ihre Farben erfüllen den Kirchenraum und tauchen ihn in ein atmosphärisches Licht, das uns emotional berührt.

In „Nachtflug” präsentiert Niklas Hock eine spezielle Zusammenstellung. Malerische Prozesse entfalten in Schichten aufgebaut auf verschieden großen Leinwänden und Bildtafeln, bezogen auf die besonderen Atmosphäre im Kirchenraum, die emotionale Kraft der Farbe.

Ines Hocks „Colorflow” ist eine speziell für den Kirchenraum konzipierte Farbintervention, die in der Luft zu schweben scheint. Vor den klaren Fenstern der Kirche spannen sich Farbbänder, die die starke Vertikalität der Architektur durchbrechen. Das einströmende Licht von außen verwandelt sich im Innenraum je nach Sonnenstand in ein immaterielles Farblicht. Einführungsrede von Katja Hock

www.ineshock.de  

www.niklashock.eu

Vernissage: Freitag, den 11. September 2026, um 19 Uhr mit Einführung und Musik

Tag des offenen Denkmals
Samstag, den 12. September 11-15 Uhr
Sonntag, den  13. September 11-13 Uhr

Die Künstler:innen sind zu beiden Events anwesend.

Heilandskirche, Thusnelda Allee 1 , 10555 Berlin

Ankündigung Ausstellungen Heilandskirche

Ihre frühen Arbeiten sind monochrom – Farben, Schicht für Schicht aufgetragen, wachsen den Betrachter*innen entgegen und entfalten eine leuchtende Präsenz im Raum. Wo sich die Farbe zu Beginn noch überlagert, reiht sie sich in den Arbeiten der letzten Jahre zusehends nebeneinander auf. Wie Text auf einem Papier zieht sich hier eine Vielzahl von Farbfeldern über den Grund, von links oben nach rechts unten, als würden sie uns eine Geschichte erzählen. Konzentriert arbeitet sich der Pinsel über die Leinwand, der Buntstift über das Papier, ein „Abtasten der Fläche“, wie es die Künstlerin nennt.

Dem wohnt stets eine Erfahrung von Zeitlichkeit inne – für Ines Hock selbst in der Entstehung, wo in präzisen Repetitionen ein Feld, eine Farbe neben die andere gesetzt wird, wie auch in der längeren Betrachtung, in der sich uns ein Gefühl von Zeitlosigkeit offenbart.
Obwohl sie als Individuen auftreten, stehen die Farben nicht isoliert neben-, sondern unweigerlich in Beziehung zueinander. Sie beeinflussen sich gegenseitig, verstärken oder beruhigen sich – ihr volles Potenzial entfaltet sich über ihr Zusammenspiel.

Die akkuraten Felder bricht Ines Hock zusehends auf, lässt die Farben ineinanderfließen und ungeordnet über dem Grund tanzen. Das macht sich auch in ihren neueren, speziell für den Raum konzipierten Farbinterventionen bemerkbar. Hier wird die Malerei zum Gegenstand, wenn sie auf Folien aufgetragen von der Decke hängt und den gesamten Raum in Farbe taucht. So entsteht eine Malerei, die weniger von Darstellung als von Wahrnehmung handelt, eine Erfahrung von Farbe mit allen Sinnen.

Veronika Mehlhart

Was man mit sich trägt | Veronika Mehlhardt | Text 2026

Leporello Petra Siering

Leporello Niklas Hock

Leporello INES HOCK

Die Texte für die 4 Positionen hat  Veronika Mehlhart, Kunsthistorikerin,  speziell für die Leporelli geschrieben.