ISBN 978-3-00-082833-

Ines Hock, Malerin und Zeichnerin, studierte Kunsterziehung, Biologie und Philosophie in Mainz

und den USA sowie bis 1987 freie Kunst an der Kunstakademie Düsseldorf. Ihr Thema ist die

Farbe. In den 1980ern betonte sie mit dicken Pinselstrichen und Acryl die Materialität der Farbe.

Seit 1989 verwendet sie Ölfarbe, um tiefere Farbschichten sichtbar zu machen. Seit 2008 nutzt sie

transparente Folien, um farbiges Licht in den Raum zu projizieren und Material und Farbe zu

trennen. Ines Hock zeigt, dass Farbe unabhängig von ihrer Beschaffenheit wirkt. Sie setzt Farben

in Rechtecken zeilenweise hinter- und untereinander, lässt sie wolkenähnlich verschmelzen oder

schweben. Die Farbe bleibt der Mittelpunkt ihrer Bilder. weiterlesen in der PDF

Subtile Herrschaft der Farben, Ausstellung Ines Hock – Farbkontinuum, Stadtmuseum Siegburg

Ines Hock zeigt bis zum 5. November Gemälde und Zeichnungen im Stadtmuseum Siegburg.

Farbe bringt Ines Hock ins Stadtmuseum, in allen Facetten, ruhig,

blass, zurückhaltend, aber auch kräftig, satt und strahlend.

Dabei zeigt sie weder Landschaften noch Porträts, sondern fügt ihre

Aquarell- oder Ölfarben meist in unregelmäßige Vierecke

unterschiedliche Größe auf edle Büttenpapiere oder Leinwand.

Mitunter sind die Felder nur ein kurzer, akkurater Pinselstrich,

tausende Mal neu angesetzt. Allein die Weißtöne reichen von

gräulich oder gelblich bis hin zu einem ganz hellen Ton, der sich

kaum noch von der Leinwand abhebt.

Ines Hock beschäftigt sich in ihrer Kunst viel mit dem Licht

„Das Malen ist für mich eher wie schreiben“, so die Künstlerin, die

mit ihrer Ausstellung Farbkontinuum – „Malerei im Raum, auf

Leinwand und Papier“ ab Sonntag im Stadtmuseum zu sehen ist.

Sie beginnt gerne oben links und arbeitet sich nach unten rechts

weiter vor.

Es geht immer um die Entscheidung für den nächsten Farbton“,

schildert sie, die Darstellung sei dabei ebenso subjektiv wie später

die Wahrnehmung durch den Betrachter. „Ich male nicht, um etwas

darzustellen.“ Umso mehr beschäftigt sie sich mit dem Licht, ohne

das Farbe nicht möglich ist.

Ausstellung Ines Hock im Stadtmuseum

Copyright: Andreas Helfer

Original online Artikel

Numerous characteristics of the painting by Ines Hock – an obscuring the scene, a cloud density and an almost immaterial pending job of color – find correspondences in the drawing. One has the impression this leaves marked with pencil or crayon are excerpts from an endless continuum.

The artist works in the series of works, which they further developed over the years. They changed if necessary the paper or the pen. Basically, it is characterized with a soft pencil, which she uses for the entire drawing and in between acute. This change can be read in the drawings also: from hard, fine to stronger line until a new sharpening operation, the line can begin again hard and clear. Similar to the reading direction is characterized by the artist usually from top left. In certain segments, microcosms comparable, they compressed a certain movement to hatching and then works its way only to the right. Her artistic work is procedural . „With each stroke the blade is changed again.“

The size of the blade is crucial to the working position of the artist. Smaller sizes are before her on the table, larger paper attached to the wall and changed the height several times to draw in front of it while standing and sitting. Just because she is always focused only on a small part of the drawing, Ines Hock describes its operation as an „updating“. This makes the principle of „coincidence “ also an important role. „By that I mean the small shifts in the Subtle. An image takes on a different appearance, because I compose it. I am working so intensely with the process, and yet the concept is as it were modulated by the actual activity in the space of chance. „

After the pure graphite drawings followed by papers that Ines Hock lined with gray crayons, there are only a dozen Polychromos grays. And only after that followed multicolored crayon drawings. Similarly, the use of color took place in the watercolor painting that the artist uses since 2006 increased: first watercolor drawings from gray and black tones, the executed with the pen drawings with their internal structures from two-dimensional microcosms goods Ines Hocks built, comparable, comes to 2010 a wider range of blue and turquoise tones added. This puts the artist in tiny brush strokes on the paper, so that at first the horizontal and then in games also dominates the vertical structure in limitless shades. The leaves are reminiscent of scores that want to be heard and felt . But even the light plays a very important role. Density and less densely populated areas, sometimes just a touch of pigment on paper, this leaves vibrate and produce a poetic mood.
IH: „images generally almost come from our new world of pixelation. Today we have other images. We see other images, we produce other images. The seemingly look the same then something completely different – if you have a near vision or distance vision. Everyone has their perception, a learned scheme as it assesses colors, perspective experiences how he sees. In this respect, I admit only a clue, working very subjective in my inner imagination. The fine distinctions in the juxtaposition focus the gaze reflexively to one’s own perception without being redundant.“

Ines Hock reflected again and again the changing viewing habits: Seeing itself, the images – experience based on cultural influences that have changed, especially in the last two decades due to the changes in media. „What I also find it interesting how we see images. How do we learn to read images, we get a little way through our culture provides, but through the Internet we get to see pictures without context, we can not place. It is produced more and more pictures. We do not know what is then obtained from it. Culturally. Without ranking.“

It challenges the viewer with their meticulous and detailed drawings. Prompts you for viewing from different angles and positions, and offers a variety of barely – ending succession of fine lines. Are there parallels to the segmentation of the screen in pixels, so their strokes oppose but also the artificial pixelation, because there are drawn by hand lines. In its horizontality – and this is still so short – they are an expression of calm and conscious concentration. And only in the addition of these horizontal lines, a dynamic verticality can be constituted, which appears in the overall context. In fact, it is more or less parallel – run lines that bring the sheet only through the different chromaticism to vibrate and flashed moiré effects. What matters in the pencil drawings of the pressure and the strength of the stroke, takes over in the watercolor drawings of both the color and the amount of ink on the paper.
 
Just the change from near and far vision provides the reassurance and guidance in these watercolors. Are they also completely non-representational, made ​​up of only a few centimeters long fine brush strokes, so they evoke but memories of landscapes, can appear representational paintings, which evaporate in the next moment into yet another micro- universes, which one believes to recognize, to be working.

In the group of works swatch watercolors incurred since 2012, to connect two familiar work attitudes: on the one hand the already 2007 used in the mural and also used in works of colored foils additive use of color patches is updated further, on the other hand, the fine strokes of watercolor drawings transform to larger blocks of color: the result is radiant watercolors, in which transverse rectangular color fields are placed together in a clear structure in rows. The relatively large and irregularly aufscheinende amount of visible white paper highlights this close to drawing as opposed to full-scale painting. Ines Hock distinguishes very clearly between working with the pen and the work with the brush. „The color is simply a seduction. A bigger game. So I have a 2008 exhibition titled „Jeu de couleur“ realized. The drawing seems to me the way from the head to the hand of sensitive map.“

The swatch crayon drawings were created parallel to the watercolors. They are due to the attitude that the artist now something „composed“. It’s like an investigation. As a comparison. Eklatant I find that the drawings actually seem to have a greater differentiation in the brightness values ​​than the watercolors – that one would not really expect.
In addition, it is an entirely different way of working: I put color swatch next swatch, but nevertheless it’s a different relationship with the paper. The white of the paper is set in the drawing opposite the painting in a different relationship. It’s just a drawing where the crayon digs into the paper while in watercolor, the color flows. What comes out is something else entirely. It is also something conceptually quite different than in painting. There is nothing rigid. Painting is complex and complicated.“

Especially the large format pencil drawings draw the viewer into the spell, because you can hardly refrain from the ratio of the delicate single stroke to the total area. The time-consuming devotion to the drawn line has not only meditative qualities, but calls for a strong inner concentration and a rising and becoming one with the controlled motion, which in turn transmits to the viewer. In the flare brighter and by – exposed zones worrying rooms and transcendent width open.

( The statements are based on a conversation with the artist in March 2014)

imprint

Thanks to the artist and the gallery + Castle e.V. for their support. Publisher Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach, www.villa-zanders.de, Exhibition Design, text Petra Oelschlägel, photography, design Michael Wittassek, printing Kettler, Bonen , © artist and authors for Ines Hock, VG Bild-Kunst, Bonn, ISBN 978-3-939227-34-2

Die Farbe ist eine Verführung. Bestehend aus zahlreichen, rechteckigen Kästchen entsteht ein Bild, das der Betrachter in seiner Gesamt- heit als Blau wahrnimmt. Bei genauerem Hinschauen erkennt man aber auch grüne, gelbe und weiße Felder – oder auch Mischungen der verschiedenen Töne. Das Gemälde lädt ein zu einem Spiel von Nähe und Distanz: Das scheinbar Gleiche wird dann vielleicht doch zu etwas ganz Anderem. 

INES HOCK – INTO THE SEA   

SCHILLINGSTRASSE 14 – 50670 KÖLN 19.05. – 15.07.2017 

Das Projekt ›plus Raum für Bilder‹ existiert seit drei Jahren im Agnesviertel und beweist einmal mehr, dass es sich lohnt, jenseits der Hauptstraßen auf Entdeckungsreise zu gehen. Viermal im Jahr wird hier in einem Wechsel von Fotografie und bildender Kunst eine neue Ausstellung eröffnet. Neben der Präsentation von Kunst nutzt der Besitzer, Sebastian Linnerz, den Raum auch als sein Büro für Grafikdesign. 

Diese Symbiose ermöglicht ihm eine Förderung von Kunst, für die er sich persönlich begeistert, ohne dem Druck einer rein wirtschaftlichen Rentabilität dieser Werke gerecht werden zu müssen. »Into The Sea« ist nun die zwölfte Ausstellung und zeigt Ölgemälde, Aquarelle und Zeichnungen der Künstlerin Ines Hock. 

In den hübschen Räumlichkeiten des Altbaus, umgeben von Stuck und Dielenböden, begegnet einem als erstes die heitere Farbigkeit zweier Aquarelle. Ähnlich dem eingangs erwähnten Hauptwerk, von dem der Ausstellungstitel abgeleitet wurde, bestehen die Bilder aus horizontal angeordneten, rechtek- kigen Farbflächen. Dieses Mal handelt es sich aber um sehr unter- schiedliche, bunte Farben, die eine unmittelbare Fröhlichkeit ausstrahlen. 

Es wird deutlich, dass die Wahrnehmung der Farben eine direkte psychologische Auswirkung besitzt. »Jeder hat seine Wahrnehmung, ein gelerntes Schema, wie er Farben beurteilt, Perspektive erlebt, wie er sieht« sagt Ines Hock. 

Betrachtet man diese Bilder, bei denen aus kleinen Einheiten ein Gesamtbild entsteht, liegt die Assoziation von Pixeln einer digitalen Grafik nahe. Die von Hand gezogenen Linien und die unterschiedlichen Abstände zwischen den einzelnen Rechtecken stellen dazu jedoch einen spannenden Kontrast her. Interessant ist dabei auch, dass der Künstlerin im Vorfeld kein vollendetes Werk vor Augen schwebt, sondern dass ihre Bilder erst im Prozess entstehen. Ihre Arbeit bezeichnet sie somit als ein »Fortschreiben«, dessen Ergebnis auf intensiver, meditativer Arbeit und dem Vertrauen auf dem Zufall basiert. 

Kölnische Rundschau Kölner Kultur, 5. Juli 2017 

20. März 2015 

Zur Ausstellung von Ines Hock im BLICKWINKEL.

Ines Hock ist geboren in Wetzlar, dort aufgewachsen, dann in Hannover (Abitur). Studiert in Mainz, in

Tuscon, Arizona und Düsseldorf. Sie hat viele Jahre in Köln gelebt und ist mit der

dortgen Kunstszene eng vernetzt. Preise und Stipendien haben ihr Arbeiten seit den

80er Jahren gefördert, groß ist die Zahl der Ausstellungen (siehe Vita).

Eine wunderbare Einzelausstellung im letzten Jahr in der Villa Zanders in Bergisch-

Gladbach gab den letzten Anstoß, ihre Arbeiten ausführlich auch hier in Frechen zu

zeigen. Schließlich lebt Ines Hock mit ihrem Mann Peter Hochscheid, ebenfalls

Künstler, seit 2001 in Frechen und ist hier als Künstlerin noch wenig öffentlich

wahrgenommen worden.

Der Titel, colorlight – graphicmoments, benennt gleich den Haupt-Akteur unserer

Ausstellung: die Farbe. Und beim Gang durch diese Räume ist das auch sofort

ersichtlich.

Nun hat man es immer mit Farbe zu tun, wenn es um Malerei geht. Und gerade auch

in der nicht abbildenden, nicht gegenständlichen Malerei. Hier ist die Farbe nicht nur

ein Mittel, sondern ein wesentlicher Bildgegenstand. Aber auch hier kann die Farbe

sehr verschiedene Funkionen übernehmen.

Wir kennen die gestischen Werke des abstrakten Expressionismus und der

informellen Malerei, die mit Farben seelische Prozesse sichtbar machen,

wir kennen vielleicht auch die großen Leinwände von Barnett Newman, die uns durch

einheitliche Farbflächen das Erhabene an sich vermitteln, oder die vielschichtigen

Farbüberlagerungen von Mark Rothko, die einen Zugang zu spirituellen Erfahrungen

schaffen können.

Ines Hocks Zugriff ist – so viel sie von solchen Meistern der Farbe auch gelernt haben

mag – zunächst wesentlich sachlicher. Sie erforscht die Möglichkeiten von Farbe mit

scheinbar einfachsten Mitteln. Und tut dabei ein ganzes Spektrum auf – und damit ist

nicht nur im wörtlichen Sinn das Spektrum des Sonnenlichts gemeint.

Ich möchte mit Ihnen dieses forschende Malen und Zeichnen von Ines Hock anhand

der hier zu sehenden Arbeiten genauer in den Blick nehmen.

Zunächst: Wie bringt Ines Hock die Farbe auf die Fläche? In kleinsten Einheiten. Als

kurze Linie oder kleinen Pinselstrich. Und das in zahlloser Wiederholung. Von links

oben angefangen, Zeile für Zeile. Korrekturen ausgeschlossen. Ein strenges Konzept

steht am Anfang, darin ist vieles festgelegt: der Malgrund, der Pinsel, die

Farben, die Farbpalette. Was aber im Laufe der Durchführung dieser

Versuchsanordnung entsteht, ist nur in Teilen geplant und vorhergesehen.

Denn jede Setzung ergibt sich aus einer neuen Entscheidung über den Gebrauch der

Mittel und in jede Entscheidung fließt das, was schon entstanden ist, mit ein. Das

Konzept wird nicht mechanisch umgesetzt, es gibt nur den Rahmen vor, innerhalb

dessen das Spiel der Farben seinen Lauf nehmen darf. So entstehen schwebende

Strukturen mit feinen Rhythmen von Helligkeiten und dunklen Akzenten, von

Farbverwandtschaften und Farbkontrasten, von Parallelen, die sich zu vertikalen

Einheiten bündeln und wieder auflösen.

Ein besonderer Untersuchungsschwerpunkt von Ines Hock gilt dem Verhältnis von

Farbe und Linie. In einigen Arbeiten, in den drei leuchten Aquarellen im

Eingangsbereich und im Ölgemälde an der letzten Wand, sind die Farben mit der

ganzen Pinselbreite in klar unterschiedenen Farbformen, die bereits selbst

Flächencharakter haben, auf den Untergrund gesetzt. In dem großen Teil der Werke

aber sind es feinste Linien oder Pinselstriche, die erst durch ihre Nähe zueinander,

ihre Dichte und auch durch den Abstand beim Betrachten zusammenhängende Farb-

und Formkomplexe bilden. Dabei entstehen lichtdurchtränkte Bildräume,

die, wie hier in der großen und der kleinen Aquarellzeichnung,  

Monet’sche Seerosen oder überhaupt impressionistische Landschaften in Erinnerung

rufen. Verantwortlich für „Licht“ ist das genau bemessene Maß an

Freiraum, an Untergrund und Zwischenraum für die einzelnen minimalen Linien- und

Farbelemente. Die Leerstellen sind genauso wichtig für das Ganze wie die besetzten

Stellen. Feinste Modulationen dieser Verhältnisse tarieren das An- und Abschwellen

der Farb- und Lichtwerte aus. Ich kann mir im Moment kein beeindruckenderes

Beispiel vorstellen für den berühmten Satz des Aristoteles „Das Ganze ist mehr als die

Summe seiner Teile“.

Farbe zu Farbe. Schier unbegrenzt sind die Versuchsanordnungen, mit denen Ines

Hock die gegenseitige Beeinflussung der Farben, also die ‚Nachbarfarben‘ 

erkundet. Was Josef Albers in den strengen Serien seines Werks „Interaction

of Color“ erarbeitet, das ganz auf das Quadrat abgestellt ist, setzt Ines Hock

sozusagen mit leichter Hand und in spielerischer Freiheit fort. Suchen Sie in einer

Aquarellzeichnung Elemente von gleichem Farbwert, gleicher Intensität und Helligkeit

und beobachten Sie, wie verschieden die Wirkung, sagen wir besser Anmutung

jeweils ist, je nach der farbigen Umgebung. Oder lassen sie die Farbklänge auf sich

wirken, die von der Serie der malerisch gestalteten Monotypien im letzten Raum oder

von der vierteiligen Arbeit „A Thousand Splendid Colors“ im zweiten Raum ausgehen.

Jedes Blatt erschließt mit wenigen Farben ungekannte Räume und Atmosphären, jedes

rührt eine andere Seite in uns an.

Im zweiten Raum sind einige Werke zusammengestellt, die – außer den erwähnten

Monotypien – ausschließlich mit der feinen Linie arbeiten und zudem das strenge

Prinzip des quasi schreibenden Arbeitens in Linien und Zeilen von links nach rechts

verlassen. In diesen Zeichnungen wird nur der Bleistift verwendet, diesmal in einer

kreisförmigen Bewegung, die von einer ersten Setzung mitten im Blatt ausgeht und

sich zu immer weiteren Bögen entwickelt, die an strudelndes Wasser erinnern. Der

Kontrast zu den Blättern, die quasi schreibend in geraden Zeilen entstehen, macht

deutlich, wie entscheidend die Wahl eines spezifischen Beginns für die Entwicklung

einer Arbeit und für ihr Ende ist. Die Spirale auf den genannten Blättern wirkt wie ein

Ausschnitt aus einer sich ins Endlose fortsetzenden Tätigkeit.

Das Phänomen der Zeit, der im Arbeiten nicht etwa vergehenden, sondern produktiv

eingesetzten Zeit, ist in diesen Blättern ablesbar. Ich glaube, sie hat für uns beim

Betrachten eine wohltuende Wirkung, weil wir sie als erfüllte Zeit erleben können.

Erstaunlich ist auch der Farbreichtum, den diese eigentlich einfarbigen Bläaer

aufweisen. Auch bei den Radierungen im gleichen Raum ist das zu beobachten. Der

feine Strich der Bleistiftzeichnung auf weichem Papier wird fast noch übertroffen von

den feinen Linien, die die Radierungen aufweisen. Ines Hock gräbt die Linien mit der

Radiernadel direkt in die Kupferplatte (kalte Nadel), mit

der gleichen Konzentration und Beharrlichkeit wie sie mit dem Bleistift arbeitet. Die

Farbnuancen der Grautöne, die im Abdruck entstehen, ist durch Nuancen des

Plattentons, also der Farbreste, die auf der blank gewischten Kupferplatte an den

Stegen haften geblieben sind, noch vielfältiger.

Besonders reizvoll sind die Varianten von ein und derselben Platte mit verschiedenen

Farben, die frei und experimentierfreudig aufgetragen werden. Bei den

Farbradierungen hier im Raum. Hier sind Farbe und Strich in getrennten

Arbeitsgängen entstanden und verbinden sich zu schwerelosen, schwebenden

Gebilden, die wie Fenster den Blick in heitere Sphären öffnen. Die jüngste Radierung

in Grün ist erst vor wenigen Tagen aus der Druckpresse gekommen. Der Titel unsere

Ausstellung, graphic moments, bezeichnet besonders den flüchtigen Momente, in dem

die fließenden Farben mit dem Papier in Berührung kommen und dann im Druck

festgehaltenen werden.

Ihnen ist sicher aufgefallen, in welcher Vielfalt Ines Hock ihr künstlerisches Tun zu

immer neuen Entdeckungen vorantreibt. Wir haben die Aquarelle betrachtet, die –

besonders in den drei Bläaern im ersten Raum – eine strahlende Leuchtkraft

entfalten. Von den Zeichnungen und Radierungen mit ihrer Farbfülle trotz aller

Reduktion war gerade die Rede. Auch die Monotypien haben wir erwähnt, ohne die

Besonderheiten dieser Technik zu erwähnen. Hier wird ebenfalls sehr flüssige Ölfarbe

auf den Druckstock aufgetragen. Dieser besteht aus einer grundierten Faserplatte,

die nicht graphisch bearbeitet ist. So kommen hier die malerischen Qualitäten der

Farbe, ihre Verläufe, Überlagerungen und Durchmischungen besonders frei zum

Tragen.

In den letzten Tagen hat sie farbige Folien an den Scheiben der Fenster

und Türen angebracht, die das Hauptthema der Ausstellung, Farbe und Licht, sofort

sinnfällig machen. Am Tag fällt das Sonnenlicht von außen in die Räume und lässt die

farbigen Flächen aufleuchten. Abends dringt das Licht der Lampen durch die

transparenten Felder nach außen und verwandelt unser Haus in eine Art Lampion.

Hier muss ich auf große Werke von Ines Hock hinweisen, die hier gar nicht gezeigt

werden könnten. Sie sind als Farbraumarbeiten entstanden, etwa für die evangelische

Kirche in Radevormwald (2008), für Schloss Benrath (2011), oder den Commerzbank-

Tower in Frankfurt (2009). Farbe und Licht und Raum kommen hier zu einem wahren

Schauspiel zusammen und verwandeln die Architektur und die Menschen in ihr.

Im Schaufenster hängt eine kleine Scheibe, die von der Firma Derix, Taunusstein, in

handwerklicher Perfektion mit handgeblasenem gotischem Glas nach Ines Hocks

Plänen angefertigt wurde. Sie führt uns ihre Kunst noch einmal in allen Facetten vor

Augen. Da sind die kleinen Elemente, – in ähnlicher Grundform, – in einfacher

Reihung, – in feinsten Farbabstufungen, – auf kleiner Fläche zusammengeführt und

entfalten doch ein ästhetisches Feuerwerk, vor allem morgens zwischen 8 und 10 Uhr

bei klarem Himmel.

Obwohl dieses Glas von Handwerkern gemacht wurde, zeigt es deutlich die

Besonderheiten des Arbeitens von Ines Hock. Sie müssen nur beobachten, wie die

Rechteckformen variieren, wie die Abstände zwischen den Elementen größer oder

kleiner sind, wie unterschiedlich die Glasstärken gewählt sind. Ines Hock entscheidet

sich jeweils für ein klares Konzept, aber die Ausführung ist geprägt vom praktischen

Tun von Hand und Kopf, das nie mit Lineal oder Zirkel vor sich geht.

– Der Druck, die Ruhe oder Unruhe der Hand, die den Stift führt, oder den Pinsel oder

die Schere, – die Weichheit oder Härte des Materials, das den Untergrund bildet, –

die Flüssigkeit oder Trockenheit der Farbe, – all das erweitert ständig das gewählte

Konzept ohne es zu sprengen. Es öffnet sich vielmehr für eine unbegrenzte Fülle von

Entdeckungen und Erfahrungen.

Durch diesen wesentlichen körperlichem und sinnlichem Einsatz pulsiert in den

Arbeiten die lebendige Energie des Forschens und Schaffens.

Dass wir beim Betrachten der Ergebnisse von dieser Energie fasziniert sind, kann man

uns nicht verdenken. Vielleicht würde Ines Hock als Ziel ihrer Arbeit nicht angeben,

dass sie die Betrachter glücklich machen will. Aber sie hat sicher nichts dagegen,

wenn sich Glück als Nebenprodukt für uns einstellt.

Kunstwissenschaftlerin,  Dr. Jenny Graf-Bicher

Rauminstallationen, auch ihre Zeichnungen und Monotypien sind geprägt von Erfahrungen der Malerei, der

daher der erste Blick bei einer Annäherung an ihr Werk zu gelten hat.

Stets aus mehreren Schichten dünn gemalter Farbe bestehend, stellt sich die Farbe im Bild nach und nach

ein, finden sich Farbigkeit und Farbgestalt im Prozess des Malens, auch wenn die Spuren dieser Suche,

der Malakt selbst nicht immer kenntlich sind. Es sind stets mehrfarbige, aus der Fülle chromatischer Mög-

lichkeiten schöpfende Klänge, die in den Bildern realisiert werden. Aus Lasuren erwachsen die für die Lein-

wandarbeiten der Künstlerin spezifischen Farberscheinungen mit ihren oft kaum lokalisierbaren Grenzen,

die den Möglichkeiten des Aquarells näher zu stehen scheinen als einer Ölmalerei. Trotz aller Entwicklun-

gen, Veränderungen lassen sich für ihre Arbeit drei Konstanten ausmachen: Zum einen eine Helligkeit, eine

stets luminöse Erscheinung aller Farben, die sich dem Zusammenspiel der gleich einer Hintergrund-

strahlung wirksamen weißen Grundierung mit der stets gewahrten Transparenz und einer damit einher

gehenden schwebenden Leichtigkeit aller gemalten Farben verdankt. Zum anderen verleihen diese lichte

Helligkeit und die entgrenzt diffusen Farbverläufe – im realen Format stets nur wie ein Ausschnitt aus einem

allenfalls imaginierbarem Ganzen erscheinend – dem Bild eine kaum auslotbare Offenheit und Weite. Eng

damit verbunden ist drittens das vermeintlich Flüchtige aller dieser Farbformationen. Sabine Müller schrieb

zutreffend von der „ephemeren Erscheinung“ als „wesentliche[r] Erfahrung dieser Bilder“1.  Es ist das

Paradox dieser Arbeiten, einen labilen Zustand festzuhalten, dem Veränderung als Möglichkeit stets ein-

geschrieben ist und der sich zugleich doch als stabil-bildhafter erweist.

So wie Ines Hock in ihren Malereien Farbe in ihrer Pluralität und Fülle nutzt, so beschränkt sie sich in ihren

großen, bildhaften Zeichnungen ganz auf die Möglichkeiten, die sich aus der Reduktion auf mit einem

Bleistift der Stärke B gezogene horizontale Linien ergeben. Aus kürzeren und längeren Strichen, differie-

renden Distanzen zwischen ihnen, variierendem Druck beim Zeichnen, mithin einem von Regeln und freien

Entscheidungen geprägten prozesshaften Arbeiten, entstehen erstaunlich komplexe Strukturen, die in ihrer

Gesamtheit kaum zu überschauen sind, vielmehr aus einer Fülle von Detaileindrücken ein Bild entstehen

lassen, das Gegenständliches evoziert – etwa eine Gesteinsoberfläche oder Landschaft – ohne damit wirk-

lich fassbar zu werden. Zugleich schieben sich gegenstandsferne Wahrnehmungen – Interferenzen, moiré-

hafte Irritationen – in die Lektüre der Blätter und erweisen diese als den Malereien verwandte, jedoch ganz

mit den Mitteln der Zeichnung geschaffene Arbeiten.

Den traditionsreichen Gattungen Malerei und Zeichnung stellt Ines Hock mit ihren farbigen Folienarbeiten

eine dritte, erst seit 2008 genutzte Arbeitsweise zur Seite, die es ihr erlaubt, ihre Erfahrungen mit Farbe,

Malerei in große, temporäre Rauminstallationen zu übersetzen. Als Material hierfür dienen von ihr bemalte

und zugeschnittene Folien. Ihr Vorrat an präparierten Folien – sie können mehr- oder einfarbig, transparent

oder opak sein – gestatten eine flexible Reaktion auf die Gegebenheiten des jeweiligen Raumes; es ist

möglich, sie auf Wänden, Böden und Decken, Fenstern und Gegenständen zu fixieren. Sowohl als ver-

streute, isolierte Einzelfarbformen können sie den Ort in seiner Gesamtheit prägen oder auch neben- und

übereinander platziert als mehr oder weniger geschlossene Großform wirksam werden, wobei sich den

Farblasuren der Malerei vergleichbare Überlagerungsmischungen ergeben. „Poetische Raumzeichnungen“

nennt Ines Hock diese Werkform, mit der sie ihre Malerei in den Realraum trägt und ihrer Auseinander-

setzung mit der Farbe eine zusätzliche Erfahrungsmöglichkeit erschließt.

Jens Peter Koerver

1 Sabine Müller: Zwei Bilder von Ines Hock, in: Michael Fehr (Hrsg.), Die Farbe hat mich; Essen 2000, S. 106.

aus Ausstellungsdokumentation Von Figuren und Farben mit Inge Schmidt, Kunsthaus NRW, Kornelimünster, 2010